Não deixa de ser surpreendente a fama e o reconhecimento que Lavinia alçou como artista na renascença, visto que na época não se considerava que as mulheres pudessem ter uma uma visão artística verdadeira por pensarem que elas não eram dotadas de inteligência, de caráter, e de força. Assim muitas foram empedidas de entrar nas academies de arte e dissuadidasde de dedicarem-se à pintura ou à escultura. As mulheres eram assim obrigadas à dedicar-se apenas as tarefas consideradas femininas, como cozinhar, limpar e cuidar das crianças. Outras ocupações além destas, eram tidas como escandalosas aos olhos da sociedade. Entretanto, algumas mulheres aprenderam a pintar quebrando esse tabu (a maioria de seus pais ou tutores confidenciais) e usaram eventualmente seus talentos para seguir uma carreira. Mas, as mulheres como artistas foram confinadas à pintura de retratos, que era considerada naquele tempo um nível inferior de expressão artística na pintura.

Ainda assim, durante a renascença e o barroco, o universo da arte abriu-se a presença de algumas poucas mulheres cujo talento era demasiado evidente a ponto de ser ignorado, Lavinia Fontana foi uma dessas mulheres.

Um dos primeiros trabalhos conhecidos de Lavinia Fontana é "Child of the Monkey", pintado em 1575, quando Lavinia tinha 23 anos. Infelizmente essa obra foi perdida. Uma outra pintura do período é "Christ with the Symbols of the Passion", de 1576, que se encontra agora no museu de Arte El Paso. Fontana dedicou-se a uma variedade de gêneros, desenvolveu várias obras de nus masculinos e femininos, o que era extremamente raro para mulheres na época, além de pinturas de temática sacra e mitológica, entretanto o destaque em sua obra cabe aos retratos.

Tornou-se retratista célebre, e em 1577, com 25 anos, casou-se com o pintor Giovanni Paolo Zappi, que era de origem nobre. Paolo e Lavinia tiveram onze filhos, sendo que destes, apenas três sobreviveram. Mesmo depois de casada, Lavinia continuou seu trabalho como pintora. O conde Zappi atuava como seu assistente e também ajudava a cuidar da casa e das crianças.

À partir de 1580, Lavinia Fontana tornou-se a retratista favorita entre os nobres de Bologna, um dos maiores centros artísticos da Itália. Nesse período, o retrato da família Gozzadini está entre as suas obras mais conceituadas. Seu apreço pelo detalhe e suas figuras alongadas garantiram-lhe sucesso e inúmeras encomendas de retratos, mas não apenas isso. Em 1589 Fontana recebeu uma importante encomenda de pinturas sacras para o retábulo do altar da igreja do Palácio Real espanhol. Como esse tipo de trabalho incluia estudos de modelos nus, era muito raro que mulheres fossem contratadas para fazê-lo. A obra feita por Lavinia e intitulada "Família Sagrada" fez tanto sucesso que logo a seguir a pintora foi convidada a trabalhar também na igreja de Santa Sabina em Roma. Isso fez com que Lavinia deixasse de ser exclusivamente retratista e lhe garantiu um espaço ainda maior no mundo da pintura, algo até então não alcançado por nenhuma mulher da época.

Assim, sua fama chegou até Roma, onde Lavinia foi morar com a família à partir de 1603 à convite do Papa Clement VIII. Dessa forma a pintora tornou-se retratista na corte do papa, recebendo inúmeras honrarias, entre elas, um medalhão de bronze a bronze feito pelo escultor e arquiteto Felice Antonio Casoni. Entre os retratados por Lavinia esteve o papa Paulo V.
Muitas das obras pintadas por ela, e que eram regiamente pagos pela nobreza de Bologna e Roma, foram durante muito tempo, erroneamente atribuídos à Guido Cagnacci. Entre estes estão, "Vênus", "A Virgem levantando véu sobre o Cristo adormecido" e "A Rainha de Sabá visitando Salomão".

Graças a seu talento junto a corte papal, foi eleita para a Academia de Roma, uma honraria raríssima para uma mulher.

Retrato curioso é o que Lavinia fez da menina Antonieta Gonsalvus. Vestida à maneira suntuosa das cortes de então, está recoberta de pêlos; pelos recobrem sua face, o corpo todo, menos as mãos e lhe dão uma aparência selvagem. A menina, conhecida como Tongina, era filha de Petrus Gonsaulvus, natural do Tenerife e portador de doença de pele congênita, a hypertrichosis universalis. Foi o primeiro caso registrado dessa doença e, no século XVI, o que causou espanto e muitos comentários.

No inicio de sua carreira, o estilo de Lavinia era muito próximo ao de seu pai, mas a medida que ia amadurecendo enquanto artista, passa a ser influênciada cada vez mais pelo estilo de tons fortes de Ludovicio Carraci, que tornou-se amigo da pintora. A obra de Lavinia também foi influenciada por Antonio Allegri Correggio e Scipione Pulzone.

Seu auto-retrato tocando espineta é considerado por muitos como a obra-prima de Fontana. Além do talento da artista, essa obra mostra também que Lavínia era uma bela mulher.

Fontes

http://en.wikipedia.org/wiki/Lavinia_Fontana
http://www.lifeinitaly.com/art/women-artist-2.asp
http://www.nmwa.org/

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Segundo estudiosos, os escultores Arturo Dazzi (1881-1966), Ivan Mestrovic (1883-1962), Auguste Rodin (1840-1917), Constantin Brancusi (1876-1957), Henry Moore (1898-1986), Medardo Rosso (1858-1928) e Hans Arp (1886-1966) constituem o elenco principal que norteia a produção escultórica do artista.
Embora marcada de início pela influência européia, grande parte da obra escultórica de Brecheret, que indicou rumos básicos à formulação do modernismo brasileiro, sempre denotou componentes nacionalistas.

Brecheret iniciou sua formação artística em 1912, estudando desenho, modelagem e entalhe em madeira no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo.

Filho de italianos, em 1913 viaja para Roma com o intuito de aprimorar-se nas artes, onde permanece até 1919. Durante esse período torna-se aluno do escultor Arturo Dazzi (1881-1966), escultor que se destaca pelo gosto por figuras monumentais elaboradas com grande síntese formal. Em Roma estuda atentamente as obras de Auguste Rodin (1840-1917) e Emile Antoine Bourdelle (1861-1929), entre outros, e conhece o escultor Ivan Mestrovic (1883-1962). Quando retorna a São Paulo, em 1919, é um escultor com amplo domínio técnico. Instala seu ateliê no Palácio das Indústrias, em sala cedida por Ramos de Azevedo (1851-1928). É descoberto pelos modernistas Di Cavalcanti (1897-1976), Hélios Seelinger (1878-1965), Menotti Del Picchia (1892-1988), Mário de Andrade (1893-1945) e Oswald de Andrade (1890-1954), que passam a divulgar sua obra.

As esculturas “Ídolo” e “Eva” (ambas de 1919) apresentam um tratamento naturalista da anatomia e uma contida dramaticidade, que se expressa por meio de torções do corpo e de volumes trabalhados em luz e sombras acentuadas. A obra Eva encontra-se atualmente instalado no vale do Anhangabaú. O escritor e crítico Mário de Andrade denomina esse período da obra de Brecheret (em oposição à época posterior, em Paris) de fase de sombras, na qual estas sempre se valorizam mais do que a luz.

Em 1920, por encomenda do governo paulista, concebeu sua obra mais grandiosa, o “Monumento às bandeiras” , no qual evoca a saga dos bandeirantes na conquista de novas terras. Mas somente em 1936 tal projeto passou à realidade, num bloco de granito de cinqüenta metros de comprimento, 16 de largura e dez de altura, no qual foram esculpidas 37 figuras de grande expressividade, e só em 1953 o monumento pôde ser inaugurado, no parque Ibirapuera.

Graças à execução da escultura tumular “Figura Feminina”, atualmente no Cemitério do Araçá, conquistou uma bolsa de estudo do Pensionato Artístico do Estado de São Paulo. Assim, em 1921, viaja a Paris onde permanece até 1935, para estudar escultura e desenvolver sua técnica.

Na capital francesa, entra em contato com os escultores Henry Moore (1898-1986), Emile Antoine Bourdelle (1861-1929), Aristide Maillol (1861-1944) e Constantin Brancusi (1876-1957). Alterna sua estada entre França e Brasil até 1936. Entre 1921 e 1929, expõe no Salon d´Automne, no Salon de la Société des Artistes Français – Section de Sculpture et Gravure sur Pierre e no Salon des Indépendents. Mesmo ausente do país, participa com 12 esculturas da Semana de Arte Moderna de 1922.

Em Paris, Brecheret será muito sensível a três fontes que busca fundir de maneira pessoal: a ênfase ao volume geométrico da escultura cubista, o tratamento sintético da forma dado pelo escultor romeno Constantin Brancusi (1876-1957) e a estilização elegante do art deco. A convergência dessas matrizes pode ser percebida na obra “Tocadora de Guitarra” (1923). Nessa fase o escultor reduz a dramaticidade vista em suas obras anteriores. Agora produz formas simplificadas e de forte cunho ornamental. A escultura “Mise au Tombeau” (O Sepultamento), de 1923 – hoje no túmulo de Olivia Guedes Penteado, no cemitério da Consolação, em São Paulo – é uma das obras mais destacadas de seu período francês. Esta é organizada em formas lineares e possui uma suavidade melódica. O tema é tratado com muita simplificação formal, evocando um clima de grande serenidade.
Em Paris ainda foi premiado com a escultura “Templo da minha raça”. Mais uma vez em Roma, figurou na exposição internacional de 1925.

Em 1932, torna-se sócio-fundador da Sociedade Pró-Arte Moderna, SPAM. Inicia, em 1936, a execução do Monumento às Bandeiras, cujo anteprojeto data de 1920 e que é inaugurado em 1953 na Praça Armando Salles de Oliveira, em São Paulo.

Em 1936, Victor Brecheret fixa-se em São Paulo, onde recebe encomendas de esculturas públicas e também de trabalhos com temas religiosos. Retoma o projeto do “Monumento às Bandeiras”, que é concluído apenas em 1953. A obra se destaca pelas figuras elaboradas com grande síntese formal, pela preocupação com os volumes, pela simplificação dos detalhes e linhas estilizadas. O monumento consegue resumir o apelo narrativo e alegórico do tema: em sua composição convergem uma forte marcação horizontal e um movimento de arrasto que culmina na figura da Glória, que enfeixa heroicamente todo o grupo escultórico. O tratamento da superfície é mais áspero, se comparado ao de obras anteriores, o escultor dá maior ênfase à matéria.

É durante o período de 1930 a 1951 que Brecheret passa a trabalhar certas formas, materiais, movimentações e luminosidades que acabam por desvelar uma linguagem escultórica mais abstrata.
Nos anos 1940 e 1950, realizou esculturas para locais públicos, fachadas e baixos-relevos, entre outras obras. Boa parte das obras instaladas em áreas públicas, que hoje identificam a cidade de São Paulo, foram feitas por ele, como o “Monumento às Bandeiras” e a escultura de “Duque de Caxias”. Infelizmente muitas dessas obras hoje estão em péssimo estado de conservação e necessitam de restauração.

A partir da década de 1940, o artista se aproxima dos temas ligados à cultura indígena, em esculturas realizadas em bronze ou terracota: “Drama Marajoara” (1951) ou “Drama Amazônico” (1955).

Nessa fase passa a utilizar formas cada vez mais orgânicas e essenciais. E nesse período em que alcança o ponto alto de sua carreira, também trabalha com pedras de formas circulares, nas quais interfere realizando suaves incisões, como nas obras “Luta da Onça” ou “Índia” e o “Peixe” (ambas de 1947/1948).
Nestas evoca o caráter sagrado ou mágico das pedras e retoma assim, de maneira muito pessoal, formas e arquétipos indígenas, ainda que se note aí a presença da escultura de Henry Moore (1898-1986) e Hans Arp (1886-1966). Em trabalhos como “Luta dos Índios Kalapalos” (1951) produz formas nas quais dialoga com a abstração. Em “Índio e a Suassuapara” (1951) o artista parte de dois volumes que se aglutinam e trabalha as superfícies vazias ou cheias, nas quais se inserem as incisões. Essa obra expande o volume e oferece uma tensão conceitual, onde a figura equilibra-se com aspectos mais essenciais. O índio é uma forma inflada no espaço. É um grande volume. Cheio de inscrições, revela o desenho de seu rosto, com boca e olhos, cicatrizes, rasgos, tatuagens e marcas. O peixe envolve a figura por trás, enlaça-a. Os volumes se fundem e a obra aparece em dois ritmos: frontalmente, o índio encobre o peixe, numa movimentação ondulatória. Por trás, o peixe sobe verticalmente com a figura indígena, num confronto de forças. O material bronze desdobra-se em mais uma materialidade. Antes, mais liso, agora com mais texturas. A luz derrama-se sobre as superfícies, ressalta a linguagem de Brecheret: formas volumosas e simplificadas, movimentação orgânica, tratamentos “matéricos” diversos.

Premiado como melhor o escultor nacional na I Bienal de São Paulo, em 1951, Vítor Brecheret morreu em São Paulo em 18 de dezembro de 1955. Em 1957, a Bienal prestou-lhe homenagem, em sala especial com 61 esculturas e vinte desenhos. Em 1995 uma exposição de 112 esculturas do artista inaugurou o Museu Brasileiro de Escultura, em São Paulo.
Principais exposições individuais
1930 – Apresentação de obras na Praça Ramos de Azevedo.
1957 – Sala Especial na 4ª Bienal de São Paulo, onde ficaram expostos cerca de 60 de seus trabalhos.
1969 – Retrospectiva no Museu de Arte Brasileira – curadoria de Carlos von Schmidt.
1992 – XXIV Exposição de Arte Contemporânea na Chapel Art Show
1995 – É inaugurado em São Paulo o Museu Brasileiro da Escultura, com exposição de 71 obras de Brecheret.

Coletivas
1922 – Semana de Arte Moderna, São Paulo
1951 – Foi artista convidado na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, em julho de 1978
1992 – Participação póstuma na exposição comemorativa dos 70 anos da Semana de Arte Moderna, Rio de Janeiro
2001 – Galeria de Arte André exposição 4 décadas, com curadoria de Carlos von Schmidt, São Paulo.

Principais prêmios
1916 – Primeiro prêmio na Exposição Internacional Belas Artes em Roma
1920 – Vence a concorrência para o Monumento das Bandeiras e o Monumento dos Andradas em São Paulo
1951 – Primeiro Prêmio Melhor Escultor Nacional em Escultura na I Bienal Internacional de São Paulo.

1916 – Participa da exposição dos “Amatori e Cultori” com a escultura Despertar, 1º prêmio na Exposição de Belas Artes.

1920 – 27 de julho – Expõe na “Casa Byington” a Maquete do Monumento às Bandeiras, concorrendo no concurso então instituído. Expõe em Santos (SP), juntamente com outros artistas, a Maquete do Monumento aos Andradas.

1921 – 24 de abril – Apresenta na “Casa Byington” a escultura Eva, esculpida em 1919.

1922 – Participa da “Semana de Arte Moderna” através de obras expostas no saguão do Teatro Municipal de São Paulo.

1923 – Expõe no “Salon d’Automne”, tendo sido premiado com a obra Mise au Tombeau (Sepultamento).

1924 – Expõe no “Salon d’Automne” sua obra Porteuse de Perfums (Portadora de Perfumes).

1925 – Participa do “Salon de la Société des Artistes Français de Sculpture et Cravure sur Pierre”, em Paris. Recebe Menção Honrosa. Expõe no “Salon d’Automne” a escultura Danseuse (Dançarina). Participa das “Exposições Internacionais de Roma”.

1926 – Expõe no “Salon d’Automne”.

1º Exposição em São Paulo.

“Peintres et Sculpteurs de L’Ecole de Paris, à la Renaiscence”, du 19 juillet au 15 octobre.

1929 – Expõe no “Salon des Indépendents” as esculturas Aprés le Bain (Depois do Banho) e Fuit on Egipte (Fuga para o Egito).

1932 – Sócio fundador da “Sociedade Pró Arte Moderna” (SPAM).

1934 – Aquisição pelo Governo Francês da obra O Grupo para o “Museu Jeu de Pomme”, atualmente em La Roche-sur-Yon, recebendo a “Cruz da Legião de Honra, a título de Belas Artes, no Grau de Cavaleiro”.

1936 – Início dos trabalhos para execução do Monumento às Bandeiras.

1937/39 – Participa do I, II e III Salão de Maio.

1941 – Vence o concurso internacional de maquetes para o Monumento a Caxias.

1942 – Esculpe o Fauno.

Esculpe para “Capela do Hospital das Clínicas” São Paulo e Cristo.

1946 – Via Crucis para a “Capela do Hospital das Clínicas”.

1950 – Participa da “XXV Bienal de Veneza”.

1951 – 1º Prêmio Nacional da Escultura na “I Bienal de São Paulo”, com O Índio e a Suassuapara.

1952 – Participa da “XXVI Bienal de Veneza”.

1953 – 25 de janeiro – Inauguração do Monumento às Bandeiras.

Fachada e Interior do “Jockey Club de São Paulo (Cidade Jardim).

Participa da “II Bienal de São Paulo”.

1954 – Afrescos Três Graças e São Francisco em Osasco, São Paulo.
Afresco da Capela Pararanga, Atibaia, SP.

1955 – Participa da “III Bienal de São Paulo”, expondo Bartira. Em maio participa da mostra “Artistes Brésiliens”, em Paris, através dos “Museus de Arte Moderna” do Rio e São Paulo.
17 de dezembro – Falecimento em São Paulo.

Fundação Escultor Victor Brecheret
http://www.victor.brecheret.nom.br/

Pitoresco:
http://www.pitoresco.com.br/escultura/brecheret/brecheret.htm

MAC/USP – Victor Brecheret
http://mac.mac.usp.br/projetos/percursos/brecheret/

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Foi muito influenciado por Manet e pelo japonismo. Começou então a criar um jardim de inspiração japonesa em sua casa e também a pintar quadros com o mesmo motivo, visto em diferentes horas do dia com diferentes luzes, como "Montes de Feno", "Álamos", "A Catedral de Rouen", "O Tâmisa" e o mais famoso de todos, "Nenúfares". Depois de 1916, pintou uma série de "Nenúfares" para o Estado. Estas telas enormes com lagos de cores imprecisas, são consideradas por muitos o ponto de partida da arte abstrata ou como as últimas obras impressionistas. Monet, considerado uma das mais importantes figuras do impressionismo, mesmo já velho e com a vista muito enfraquecida, empenhava-se em pintar o que via num determinado momento, captando uma luz particular e as variáveis da cor que essa luz produzia, sem se preocupar com a representação convencional da forma dos objetos.

Um dos fundadores do Impressionismo, Claude Monet é considerado uma das principais figuras da história da pintura. Dedicou-se em especial à pintura de paisagens. Sempre pesquisou por conta própria, aprendendo com a observação. Um quadro típico de seu periodo mais antigo é o Terrace at Le Havre (1866-Metropolitan Museum). Mais tarde, dedicou-se a pintar as transformações da luz e da atmosfera causadas pelas mudanças de hora e de estações, usando a própria observação das leis de óptica.

De sua paleta, foram eliminados o negro e o cinza, decompondo a luz em suas múltiplas cores, assim como faz um prisma, e pintando seguidamente temas como o feno, a Catedral de Rouen e a grande série lírica representada pelos lírios d'água (1899-1904), em seu jardim em Giverny.

Monet reencontra Boudin, Jongkind, com quem trabalha no Havre, antes de entrar para o ateliê de Gleyre em París, em 1868, onde se liga com Renoir, Sisley e Bazille.

A busca da luminosidade

O primeiro sucesso é encontrado no Salão de 1865. Ele, então, empreende a execução de Déjeneur sur l’Herbe (Almoço sobre a relva), em homenagem a Manet e pinta ao ar livre (1865-1866). Nessa época, a arte de Monet se caracteriza por uma indiferença evidente ao tema, à novidade (La Pie, 1869-1870, Paris, Museu d’Orsay) e até, em certa medida, à própria composição. O que lhe interessa no espetáculo da natureza são os ritmos cromáticos que o animam, as relações primordiais que unem os elementos em um movimento perpétuo. Influenciado pelos quadros de Barbizon, nos quais aprecia as paisagens e o senso de luminosidade, ele o ultrapassa em breve, assimilando uma dimensão verdadeiramente cósmica.

Os estudo de Monet entretanto foram interrompidos pelo serviço militar em Algéria entre os anos de 1860 a 1862. Em 1862 ele entrou no estúdio de Charles Gleyre em Paris e conheceu vários artistas como Auguste Renoir, Alfred Sisley, e Frédéric Bazille. Durante os anos de 1863 e 1864 ele trabalhou periodicamente no bosque em Fontainebleau com os artistas Théodore Rousseau, Jean François Millet e Daubigny. Em PAris no ano de 1869 passou a frequentar o Café Guerbois, onde conheceu Édouard Manet

Com a eclosão da guerra Franco-Prussiana em 1870, Monet foi trabalhar em London, onde conheceu o aventureiro e simpático negociante Paul Durand-Ruel. No ano seguinte Monet e sua esposa, Camille, com a qual havia se casado em 1870, estabeleceram-se em Argenteuil, onde estabeleceram uma residência semi-fixa (ele continuaria a viajar periodicamente com sua esposa) pelos próximos seis anos.

As constantes viagens de Monet durante este período estavam relacionadas com sua ambição artística. O fenômeno da luz natural, atmosfera e calor cativaram a sua imaginação, e ele buscava registrar de forma fiel toda essa encantadora variedade.

Aos poucos ia desenvolvendo uma aguçada percepção acerca das variedades de matizes e subtons das cores das paisagens. Paul Cézanne ichegou a afirmar que considerava que Monet possuia um olhar prodigioso para captar a essência daquilo que pintava.

Relativamente poucas de suas telas da década de 1860 sobreviveram. Durante esta década e a de 1870 também, Monet sofreu dificuldades finaceiras extremas e frequentemente destuía seus próprios trabalhos antes que eles fossem arrancados pelos credores.

Um surpreendente exemplo de seu estilo inicial é a obra Terrace at Sainte-Adresse (1867). A pintura painting possui um brilhante raio de luz, cores naturais. Aos poucos, foi abandonando as tonalidades escuras e tenebrosas de suas primeiras obras e adotou uma paleta de cores frias e ao mesmo tempo transparentes.

Fundamentado-se nos pressentimentos tumultuosos de Delacroix e pela conversão moderada que caracteriza a pintura de Corot, de Millet, a revolução que Monet realiza tem como objetivo libertar a pintura ocidental do jugo da forma, descobrindo formidáveis fontes de energia e exprimindo as forças e as tensões do universo. Quando apresentado ao marchand Durand-Ruel, em Londres, em 1871, este fará o seguinte comentário: "Aqui está um homem que será mais forte que todos nós."

O líder do Impressionismo

Em 1874, Monet participa de uma exposição de grupo com o fotógrafo Nadar, mostrando uma tela intitulada Impressão, Sol Levante (1872, Paris, Museu Marmottan, a qual inspira o nome ao movimento (Impressionismo), aparecendo, daí em diante, como seu líder incontestável, suscitando ao mesmo tempo polêmica e admiração, começando pelo próprio Durand-Ruel, que lhe abrirá regularmente sua galeria para a exposição de obras e lhe concederá uma confiança ilimitada e prosseguindo com o apoio de escritores igualmente eminentes, como Maupassant, Zola ou Mirbeau.

Durante a década de 1880 a coesão que havia no grupo dos impressionistas começa a se dissolver, entretanto alguns membros continuavam a trabalhar juntos ocasionalmente. Em 1883 Monet muda-se para Giverny, mas continua viajando periodicamente a Londre, Madri e Veneza, assim como a suas cidades favoritas na França. Durante as décadas de 1880 e 1890, gradualemnte começa a conquistar sucesso de crítica e ter algum retorno financeiro. Isso foi conseguido em parte graças aos esforços de Durand-Ruel que promoveu uma exibiçção dos trabalhos de Monet no início de 1883, e posteriormente organizou uma exposição reunindo vários trabalhos de impressionistas para uma grande exposição em 1886 nos Estados Unidos.
Durante esse período Monet desenvolve um estilo mais expansivo e expressivo. Sua obra "In Spring Trees by a Lake" (1888), a superfície da água parece vibrar eletricamente carregada de luz e calor. Paradoxalmente, enquanto seu estilo continua amadurecendo e sua visão atingindo uma sensibilidade cada vez maior o aspecto rigorosamente ilusionistico de suas pinturas começa a desaparecer. A forma plástica se dissolve em pigmentos coloridos, o espaço tridimensional evapora-se. Seus quadros contudo invariavelmente inspirados pelo mundo visível, crescentemente surgem como objetos que são acima de tudo pinturas e não cópias da realidade.
Nesse período Claude Monet pintou uma série de imagens da Catedral de Rouen em vários horários e pontos de vista diferentes. Vinte pinturas da catedral foram exibidas na galeria Durand-Ruel em 1895. Ele também fez uma série de pinturas de pilhas de feno. Monet gostava principalmente de pintar a natureza controlada – seu próprio jardim, seus nenúfares e sua ponte. Também pintou uma série de bancos ao longo do Sena.

Durante vinte anos, Monet atira-se a uma incansável pesquisa: tanto em Normandie como em Côte d’Azur, tanto em Londres como em Paris, se faz intérprete de um universo promissor, onde a matéria, submetida as misteriosos caprichos da luz, parece eternamente recriada, se desfaz para criar-se outra vez. Essa "ambição sobre-humana", segundo a fórmula de Georges Clemenceau, encontrou sua expressão privilegiada nas famosas séries: a de Meules (1891), a de Peupliers (1892) e sobretudo da Catedral de Rouen, que ele expôs em 1895, e das vistas do Tâmisa, em Londres, que pintou entre 1900 e 1904. De sua estada em Venise em 1908, Monet apresenta não menos que 29 telas. Trabalha incessante para a exposição de 1901 e depois, entre 1904 e 1906, pinta 48 Ninféias. Em 1914 Monet começou uma nova grande série de pinturas de seus nenúfares, após sugestão de um amigo, o político Georges Clemenceau. Então, Clemenceu, valendo-se da amizade que tinha com Monet, convence-o a doar as telas pintadas no vasto atelier de Giverny, as quais são colocadas em duas salas subterrâneas do l’Orangerie des Tuileries, em Paris, com oito telas imensas, a maior delas com 17 metros de comprimento. Este será o último ciclo de pinturas concluídas por Monet. Porém, sua inauguração somente ocorrerá em 1927, após a morte do artista. Sua última casa, em Giverny, foi transformada em museu.

Em verdade, Monet fez à pintura o mesmo que Debussy fez à música, ou Proust, Joyceet e Pound fizeram à literatura, ou Heiddeger fez à filosofia, isto é, promoveu uma excitada explosão de uma nova aventura do espírito na conquista do infinito.

Morreu em 1926 e sobre seu caixão, Clemenceau colocou uma mortalha surpreendentemente colorida, justificando: "Nada de cores negras para Monet."

Fontes:

Enciclopédia Atlas (em francês)

Claude Monet
http://www.cinderela.com.br/pitoresco/textos/monet/monet2.htm

Artes Plásticas
http://www.edukbr.com.br/artemanhas/monet.asp

ABC Gallery
http://www.abcgallery.com

GALERIA

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