Bloody Mary (em inglês "Maria, a sanguinária", em referência à rainha Maria I de Inglaterra), é um coquetel feito com vodka, suco de tomate, suco de limão, sal, molho inglês, tabasco e pimenta.

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Muito antes de Björk virar a musa da música eletrônica e alternativa, ela já tinha feito coisas bem legais. Entre todas elas, foi essa curiosa e fantástica banda formado em sua Islândia natal, o Sugarcubes. Formada em 1986, o grupo fez um imenso sucesso com o disco Life’s Too Good, e com clássicos do quilate de “Deus”, “Motorcrash” e “Birthday”, primeiro single e que até hoje procuro em uma edição para lá de curiosa: um remix feito pelos irmãos Reid, do The Jesus and Mary Chain. Depois disso, fizeram um fraco segundo disco e mais alguns trabalhos até Björk resolver seguir uma carreira-solo. Mas deixaram seu nome na virada dos anos 80 e 90, e alguns punhados de melodias inesquecíveis.

Por Rubens Leme da Costa

De vez em quando, o pop internacional é invadido por bandas “exóticas”, que cantam em inglês, mas que nada tem a ver com os Estados Unidos ou o Reino Unido. Nos anos 70, os suecos do ABBA fizeram tanto sucesso que viraram ícones. Nos anos 80, as meninas ficavam histérias com o trio gelado da Noruega, A-ha e nos anos 90, a Suécia voltou a ser notícia com o Roxette e o Cardigans. Mas houve uma outra grande banda, vindo de um lugar ainda mais improvável, a Islândia: o Sugarcubes.

Se você desconhece a banda, saiba que nela cantou uma pequena menina, com cara de esquimó e que hoje é uma das musas da cena eletrônica, Björk. E o Sugarcubes apareceu fazendo um som totalmente diferente do convencional, graças, em parte, aos vocais da cantora e aos instrumentos pouco convencionais no pop, como o trumpete.

E todos os integrantes da banda já eram veteranos quando o grupo explodiu em 1988, com a canção “Birthday”. Vamos traçar a origem desses islandeses.

Reza a lenda que a banda nasceu no dia 8 de junho de 1986, quando nasceu o primeiro filho de Björk (seu nome completo é Björk Gundmundsdottir). Para celebrar o acontecimento, vários amigos formaram o Sugarcubes.

Björk contava com 20 anos (nasceu em 21 de novembro, em Reikjavik, capital da Islândia) e já era uma veterana dos palcos. Aos 11 anos havia gravado um disco infantil e, em sua adolescência, havia passado pelas bandas Tappi Tikarrass (com quem lançou dois discos) e pelo K.U.K.L., que fazia um som pós-punk bem ruidoso e lançou vários compactos pelo selo independente britânico Crass.

O baterista Siggi Baldursson (nome completo: Sigtryggur Baldursson, era membro do þeyr (conhecido como Theyr), que teve um momento de glória ao gravarem, em 1982, com dois membros originais do Killing Joke, o cantor Jaz Coleman e o baixista (e futuro produtor de renome) Youth. Nessa mesma época, Einar Benediktsson e Bragi Olafesson formaram um grupo punk chamado Purrkur Pillnikk, que lançaram alguns discos por um selo próprio. Em 1984, Björk, Benediktsson e Baldursson resolveram juntar forças e montar o K.U.K.L., com o tecladista Einar Mellax, que significa bruxa, em islandês.

Em 1986, com a adição do marido de Björk, Thor Eldon (guitarra) e Bragi Olafesson (baixo), formaram o Sugarcubes. No início, a banda não era a prioridade dos músicos, já que todos tinham um segundo emprego. De acordo com o baterista Siggi, eles dedicavam apenas 15% de seu tempo ao grupo, ficando os outros 85% para uma profissão mais rentável.

Mas o grupo já tinha uma identidade sonora muito particular e um grande apelo visual, especialmente de Björk. No final de 1987, a banda já era assediada por várias gravadoras inglesas, e acabaram assinando com a pequena One Little Indian, no Reino Unido e com a Elektra, na América.

Em outubro de 1987, lançam o compacto Birthday, que fez um enorme sucesso e puxou as vendagens do primeiro disco, Life’s Too Good, lançado em abril do ano seguinte.

“Birthday” foi um dos grandes lançamentos de 1988. Com seu andamento estranho, uma letra esquisita e com a voz incomum de Björk em primeiro plano, fez subir aos primeiros lugares da parada independente e normal inglesa. A canção foi eleita o single da semana pelo esnobe semanário New Musical Express.

“Nós não esperávamos o sucesso dessa maneira. Na verdade, o Sugarcubes era apenas mais uma banda para diversão do que de profissão. Ficamos surpresos quando começamos a ter tanta manchete”, confessa a cantora, dona de um timbre incomum, e que se assemelha, nessa característica, com Elizabeth Fraser, do Cocteau Twins.

O disco teve vários remixes, sendo o mais curioso deles dos irmãos Jim e William Reid, do Jesus and Mary Chain, chamado The Christmas Day Mix. A edição americana do disco, teve ainda uma exótica capa laranja ao invés da cor verde (essa é a minha cópia, que ganhei de minha irmã quando ela morava nos Estados Unidos, em 1988).

Quando o grupo fez fama, a Islândia colocou-os quase num pedestal. Afinal, a Islândia nunca teve muita fama internacional, já que os islandeses são conhecidos como um povo triste e quieto. A futura tecladista Magga, aliás, adora recitar a famosa frase de Oscar Wilde: “os islandeses são a raça mais inteligente da Europa, porque foram os primeiros descobridores da América, mas não contaram o fato a ninguém.”

Björk lembra bem como foi lidar com a fama em seu país: “minha família havia se mudado para Londres no meio da década de 80 e eu fui para uma escola para aprender a língua inglesa. Em uma aula, o professor pediu que fizéssemos desenhos de minha casa na Islândia e eu desenhei o iglu em que eu vivi. Ninguém conhecia a Islândia, pois o islandês mais famoso até então era Magnus Magnusson, um professor da Universidade de Edimburgo, e que havia se mudado para o Reino Unido ainda criança. Na época do Sugarcubes, estava novamente morando em Londres e fiquei surpresa quando descobri que até minhas tias sabiam quem era o Sugarcubes. Uma das coisas mais estranhas era ver os jornalistas estrangeiros entrevistando outros músicos locais, tentando descobrir mais sobre a gente.”

E a banda tinha uma vida paralela na Islândia, mesmo com o sucesso. “A Islândia é um país terrivelmente caro para se viver e é muito comum cada um ter dois empregos”, conta Einar, que também vivia como DJ local, embora odiasse ser chamado dessa forma: “eu toco música e converso com as pessoas.” Björk também tinha um emprego em um loja de antiguidades.

Nesse momento, o grupo começou a apresentar alguns rachas internos, particularmente entre a cantora e o trumpetista e ocasional cantor, Einar, e também entre a cantora com seu marido, Thor.

Em abril de 1988, o grupo lança outro três compactos: Coldsweat, Deus e Motorcrash. Björk era considerado uma musa por seus fãs e o Sugarcubes mostrava um forte conotação sexual, embora não fosse apelativo: “na Islândia o sexo é visto como algo normal, sem todo essa tabu que existe no resto do mundo. Dizem que sou muito sensual no palco, mas na verdade, eu sempre cantei e fui dessa maneira”, explica Björk.

Em 1989, em meio às gravações do segundo disco, Björk e Thor se separam e o guitarrista casa com Magga Ornolfsdottir, que ironicamente seria a nova tecladista da banda. E, para aumentar ainda mais o horror do mundo conservador, Olafesson deixa sua mulher para casar com Einar, na primeira união gay oficial do mundo pop. Foi nesse clima que o grupo lançou o disco Here Today, Tomorrow Next Week!, bem menos inspirado do que o disco anterior. A grande canção do álbum era “Regina”, mas o resto do disco não era lá muito bom.

Uma curiosidade: apenas de Björk ser grande fã de música brasileira, Elis Regina e Milton Nascimento, especialmente, “Regina” nada tem a ver com a cantora brasileira, que foi homenageada, anos depois, em “Isobel”.

Para comemorar o segundo disco, o grupo saiu em sua primeira turnê mundial, indo para a América com ninguém menos do que o New Order e o P.I.L. Björk disse que adorou cada minuto dessa excursão: “enquanto nós tocávamos e passeávamos em paz, víamos o desespero de John Lydon sendo cercado pelos jornalistas, sedentos por ouvir histórias sobre os Sex Pistols. Eu o vi várias vezes vomitando em cima deles. E o New Order também já tinha um grande número de fãs.”

Mas, após o final da excursão, em 1990, os membros do grupo resolveram dar um descanso para que cada um pudesse cuidar de seus projetos pessoais. O grupo tinha conquistado coisas demais para seus próprios padrões. “Você sabia que em 1990, o presidente François Mitterand veio até a Islândia com o seu ministro da Cultura, Jacques Lang, e trocou um tedioso jantar oficial por um show nosso? É verdade! Quando ele soube que Lang ia nos assistir ao invés de cumprir o protocolo oficial, ele disse ‘foda-se, eu também quero ver o Sugarcubes. E ele adorou!”, conta Einar.

Essa parada serviu para esfriar os ânimos acirrados entre os integrantes e para que cada um pudesse curtir um pouco da fama.

A banda só voltou à cena em 1992, com dois discos: o bom Stick Around For Joy e o disco de remixes. Mas os dois álbuns fracassaram na tentativa de dar um grande sucesso ao Sugarcubes. E It’s-It foi um projeto grandioso. A edição em vinil era dupla, contendo os seguintes remixes: It’s-It

Lado A:
01. Birthday (07:32) Justin Robertson 12″ Mix
02. Leash Called Love (06:27) Tony Humphries Mix
03. Blue Eyed Pop (06:39) S1000 Mix

Lado B:
04. Motorcrash (06:49) Justin Robertson Mix
05. Planet (04:42) Graham Massey Planet Suite Pt 2
06. Gold (06:10) Todd Terry Mix

Lado C:
07. Water (04:13) Bryan ‘Chuck’ New Mix
08. Regina (05:12) Sugarcubes Mix *
09. Mama (05:09) Mark Saunders Mix
10. Pump (04:30) Marius de Vries Mix

Lado D:
11. Hit (07:10) Tony Humphries Sweet & Low Mix
12. Birthday (06:42) Tommy D Mix
13. Coldsweat (04:12) DB/BP Mix

O grupo ainda saiu em uma última excursão, mas a banda já não conseguia mais mostrar entusiasmo. O resultado foi a dissolução do Sugarcubes logo após os shows. Com isso, Björk acabaria se tornando o maior nome, ao lançar em 1993, o primeiro disco-solo,
Debut, aclamado mundialmente, e conseguindo um sucesso ainda maior, com o segundo disco, Post, de 1995 e que continha o megahit, “It’s Oh So Quiet”.

Vários lançamentos póstumos de todos os projetos pré-Sugarcubes foram jogados no mercado, na tentativa de ganhar sempre algum dinheiro a mais. Mas o que ficará na memória serão sempre as canções de Life’s Too Good e a vida que os gelados habitantes islandeses proporcionaram ao universo pop. Deixo vocês com a discografia da banda. Um abraço e até a próxima coluna.

Discografia

Life’s Too Good (1988)
Here Today, Tomorrow Next Week! (1989)
Stick Around For Joy (1992)
It’s-It (1992)

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“From Boston, Massachusetts; we are MORPHINE, at your service”. Era assim que Mark sempre abria os show de sua banda, que de convencional tinha muito pouco, quase nada mesmo.

Nascido em 1952, na pequena Newton, Mark sempre foi uma pessoa extremamente discreta, apesar de várias experiências inusitadas. Após estudar na prestigiosa Universidade de Boston, foi trabalhar em barcos pesqueiros em Washington. Cansado desta vida, voltou para Boston no meio da década de 80 e formou uma banda especializada em blues, o Treat Her Right. Era então o guitarrista e vocalista, ao lado de David Champagne (que tinha as mesmas funções de Mark), o baterista Billy Conway (que se encontrariam no Morphine mais tarde) e Jim Fitting, na harmônica. Lançaram três bons discos: Treat Her Right (1986), Tied to the Tracks (1989) e What’s Good for You (1991) e acabaram.

Paralelo ao grupo, envolveu-se em outras bandas e projetos como um chamado pomposamente de Supergroup, incluindo Chris Ballew (que depois faria parte do Presidents of United States), Treat Her Orange (ao lado de Jimmy Ryan, do Blood Oranges) e um grupo de metais mais voltando ao funk, Hypnosonics. E, entre tudo isso, ainda arranjou um tempinho para morar no Brasil, país que amou e prometeu voltar.

Depois de tantas aventuras, Mark resolveu montar uma banda totalmente diferente e na qual marcaria a cena independente: o Morphine. Com o baterista Jerome Deupree e o saxofonista Dana Colley, Mark assumiu o baixo, além de vários outros instrumentos ocasionais. Seu baixo, aliás, merece um destaque, por ser um slide de apenas duas cordas, feito por ele mesmo e usando apenas as cordas mais graves. A idéia era criar uma banda que unisse o rock com o jazz e que servisse como trilha sonora para seus poemas, influenciados pela literatura beat de Jack Kerouac.

A estréia aconteceu em 1992, com Good, um disco que chamou atenção pela proposta inovadora e os belos poemas de Mark, que também se mostrava um excelente músico. O disco foi lançado pela pequena gravadora Accurate/Distortion.

Já no segundo disco, Cure for Pain, a banda atinge uma maturidade impressionante. O disco marca a transição entre Jerome e o Billy Conway, antigo colega de Mark e o novo baterista da banda. Billy já havia participado em duas faixas no disco anterior, “You Speak My Language” e “You Look Like Rain”. Com canções como “Buena”, “In Spite of Me” e “Let’s Take a Trip Together”, fez a alegria da gravadora Rykodisc (novo selo do grupo), por vender mais de 300 mil cópias e ser maciçamente tocando nas famosas college radios. O amigo Jimmy Ryan toca seu bandolim na canção “In Spite of Me”. O grupo conquistava um séquito imenso de fãs, apaixonado pela sonoridade única do grupo. A última faixa, chamada de “Miles Davis’ funeral” era uma homenagem a um mestre espiritual de todos, que havia morrido no dia 28 de setembro de 1991 e fecha com chave-de-ouro um dos discos clássicos dos anos 90.

Letras como a de “I’m Free Now (eu estou livre agora para dirigir um filme ou cantar uma música ou escrever um livro sobre sua verdade que me interessa tanto…”) mostravam uma liberdade e ironia pouco comuns. Na canção-título, Mark pergunta “onde está o ritual, onde está o sabor, onde está o sacrifício, onde está a fé; um dia haverá cura para a dor e quando isso acontecer jogarei fora todos meus remédios”).

Mark já era um homem com mais de 40 anos, cheio de experiências e falando de crises existenciais que, embora boa parte do seu público mais jovem não tivesse contato ainda, vinha de encontro a outros medos. O grupo virou uma sensação ao ter cinco canções do disco na trilha sonora do filme Spanking the Monkey, que venceu o prêmio de público do mais importante festival de cinema independente americano, o Sundance Festival. Até no desenho Beavis and Butt-head, da MTV, foram mostrados. O Morphine era elogiado por todos, e a Rolling Stone elegeu o grupo como a banda underground de maior sucesso de 1994.

Um grande destaque do grupo era a sonoridade dos saxes de Dana Colley. Jazzista inveterado, Dana tocava com competência sax barítono e tenor, que formavam uma bela combinação com as letras reflexivas e livres de Mark. E Dana, assim como Mark inovaria mais ainda no soberbo Yes, próximo trabalho do grupo, tocando um sax duplo, instrumento em que tocava com as duas mãos e com apenas uma boquilha em um dos saxs que era ligado ao outro por um tubo.

O disco alavancou ainda mais a carreira do trio, agora um dos grandes destaques da cena alternativa norte-americana. O grupo fazia seguidas apresentações pela América e pela Europa, recebendo elogios da crítica especializada. O disco abre com uma de suas canções mais fortes e poderosas, “Honey White”. Veja a letra…

Honey white (x3)
Made a deal for some angel food
Honey white (x2)
Everybody told her it was sweet and good yea
Oh honey (x4)
She said you’ll see me later yea you’ll see me later
Will you see me later seemed all too soon
And then he smiles he knows honey’s coming back
Honey’s going to want some more angel food
Devil made of honey (x4)
She said you’ll get me when I’m old and wizened
And not a day before that
The devil said honey it won’t be that long
Besides I like to see a little more fat
Yea I like to see a little more fat
You know I like to see a little more fat
Honey white (x4)
Uh tell me how is your angel food
Honey white oh honey white
She says it’s sweet and good
Honey white honey white uh honey white
The sweetness starts to fade
Honey white (x2)
Thought you could get away
Poor honey (x4)

O disco trazia alguns dos maiores clássicos do grupo, como “Scratch”, “Sharks”, que mostravam o medo e a insegurança do homem moderno e tratavam de temas como o sexo em “Super Sex” ou em “Free Love” (o que é isso? onde posso conseguir algum?). Além das letras, mais uma vez Mark cuidava da produção e das fotos do encarte.

align="left" />O grupo chamou atenção da Dreamworks, que os contratou, apostando que com um esquema maior de divulgação poderiam se tornar a next big thing do rock americano. E em 1997 sai o quarto disco do grupo Like Swimming, talvez o mais fraco de todos. A liberdade ainda está intacta, com Mark e Paul Q. Kolderie dividindo a produção do mesmo, e com vários convidados nas faixas, mas o Morphine parecia estar sentindo a obrigação de ter assinado com um grande selo. Ainda assim partem para uma turnê imensa pelo mundo, sendo destaque em festivais com mais de 50 mil pessoas e a atração principal em um concerto chamado Central Park Summerstage, em Nova York. A gravadora pressionava o grupo a tocar em espaços grandes, mas o grupo não aceitava a imposição, preferindo agendar suas apresentações em locais menores, aconchegantes, onde Mark alegava ser o palco ideal do grupo. “Nossa música é mais intimista, as pessoas se sentem mais confortável ouvindo em pequenos teatros ou bares. E eu também.”

Como parte de uma obrigação contratual, lançam, ainda em 1997, o B-Sides & Otherwise, pela Rykodisc. Esse disco vale a pena por algumas curiosidades: primeiro, por conter a faixa “Kerouac”, que fez parte de um cd tributo ao escritor beat, Kerouac – Kicks for Darkness e por conter, nas edições brasileiras e japonesas, duas faixas exclusivas, “Anita” e “Mary Won’t Call My Name?”.

Mark também trabalhava em sua casa em Cambridge, naquele que seria o disco mais ousado e bem acabado do grupo, The Night. Durante dois anos, Mark planejou criteriosamente o disco, gravando-o em seu estúdio particular, o Hi-N-Dry, de oito e dezesseis canais. O Hi-N-Dry era o local onde todos os outros discos anteriores tinham sido concebidos, mas desta vez apenas ele assinaria como produtor.

O trabalho foi envolvido em um clima de grande alegria. Mark, Dana e Billy tiveram a companhia de Jane Scarpatoni (cello), Mike Rivard (baixo) e Joseph Keller (violino). A idéia era criar um álbum mais soturno. O antigo baterista, Jerome Deupree, também foi convidado, participando de todas as faixas. Mark tocou uma infinidade de instrumentos, entre eles, pianos, órgão, guitarra acústica e trombone. Dana inovou com seu sax baixo e contribuiu com seus arranjos para que o disco fosse ainda mais minimalista do que os trabalhos anteriores. A idéia era que o conceito rock intimista fosse levado às últimas conseqüências.

Mark usa um convencional baixo de quatro cordas e na faixa “Rope on Fire”, dedilha um belo violão, sob uma letra muito triste e desesperada. Com dois bateristas trabalhando em conjunto e um belo backing vocal feminino de várias amigas de Mark, todas de Boston, The Night era classificado pelo mesmo, como um passo novo e totalmente diferente na carreira do grupo.

Talvez a letra mais intrigante do disco seja mesmo a de “Rope on Fire”…

Hand over hand up the lifeline, luckily the knots stay tight.
Silhouettes of the two of us climbing, climbing up a rope on fire.
Climbing up a rope on fire.

Trapped in a room in a fortress, running outta air to breathe.
Only seconds to go and we’ll break free, I didn’t think that we would reach.

Only the two of us can disconnect the bomb.
And save ourselves before the oxygen is gone.
I’ll call for backup, you start to scream.
It’s not the first time we’ve been in this dream.

She ripped the wings right off my back.
She whispered deep, keep it on the track.
She said you’re no angel, no angel anymore.

All the wheels are coming loose. Close-up shot of a burning fuse.
The sky is filled with question marks. Will the chains come apart?
These few seconds that I’ve left to go. Flames and chaos down below.
And the earth opens wide. Got to climb a rope on fire.

Look at the clock. Look at the clock.
Make it to the car but the car won’t start.
Me try to move the car but there’s no more time.
We’ll have to climb a rope on fire.

Hand over hand up the lifeline, luckily the knots stay tight.
Silhouettes of the two of us climbing, climbing up a rope on fire.
Climbing up a rope on fire. Climbing up a rope on fire.

Only the two of us can disconnect the bomb.
Then save ourselves before the oxygen is gone.
I’ll call for backup. You start to scream.
It’s not the first time we’ve been in this dream

Foi esse projeto que Mark entregou à Dreamworks, no começo de julho de 1999 para ser lançado no ano seguinte. O grupo voou então para a Europa, onde estava com a agenda lotada. No dia 3 de julho, em Palestrina, o grupo estava realizando seu show.

Mark já tinha dito o seu famoso discurso de boas-vindas (“From Boston, Massachusetts; we are MORPHINE, at your service”). E começa o show. No meio dele, Mark pára e fala: “Obrigado Palestrina. É uma linda noite. É ótimo estar aqui e quero dedicar uma canção super-sexy a todos vocês…”. Não houve tempo para mais nada. Mark acabou sofrendo um enfarte fulminante e morreu, ali mesmo, no palco.

Chocados com a morte do amigo e mentor, o grupo se desfez, e The Night acabou sendo o último registro oficial da banda. Dana e Billy ainda prestaram uma homenagem ao amigo montando o Morphine Project, que tinha a intenção de divulgar algumas músicas do finado trabalho. O grupo ainda voltou à mesma cidade onde tocaram pela derradeira vez, mas só conseguiram tocar seis músicas, pois o show teve de ser cancelado por ter começado muito tarde. Também perceberam que sem Mark, não haveria o menor sentido. Ou nas palavras de Dana: “Mark era um homem abençoado, uma dessas pessoas que você encontra raramente na vida. Extremamente simpático, adorava compartilhar suas experiências e emoções com os amigos, com os fãs. Tinha uma bondade incrível e uma sabedoria que nunca mais vi em nenhuma outra pessoa. Sempre conseguia ver o lado positivo nos problemas, e, embora, muitos considerem nossa música como depressiva ou triste, pela sonoridade, as letras deles eram cheias de vida e otimistas.”.

Ainda em 2000, sai Bootleg Detroit – live, gravado em uma fita por Mark durante a turnê promocional de Cure for Pain. Apesar de não possuir uma qualidade sonora excelente, serve como amostra do carisma e competência do grupo em suas apresentações.

Colley e Conway formaram depois o Twinemen ao lado de Laurie Sargent, e em 2002, lançaram o disco de estréia apenas com o nome da banda, pelo selo que leva o nome do estúdio Hi-N-Dry, uma mistura de jazz, blues, rock, trance, além de dois discos gravados ao vivo em dias consecutivos, Madison, Wi 01.02.03 e Chicago, IL 02.02.03, fechando com músicas de Sandman.

Mark deixou alguns projetos inacabados, entre eles, uma excursão pelo Brasil, onde tinha vários amigos e os visitava com alguma regularidade e sua fundação para difundir a música entre as crianças. Quem quiser saber mais ou colaborar com a mesma, basta escrever para: Mark Sandman Music Education Fund, PO Box 380644
Cambridge, MA 02238, USA. Se o telefone não mudou, continua sendo 617.441.0197.

Infelizmente Mark não pode cumprir à risca um de seus poemas musicados, “French Fries with Pepper”, em que dizia: “…em 9-9-99 espero estar sentando em uma varanda bebendo vinho tinto e cantando ‘oh, batata frita com pimenta’”. Tudo bem, Mark, a partir de 9-9-04 farei isso religiosamente por ti, todo ano, e de
preferência com um Morphine como som de fundo.

Um abraço a todos e até a próxima coluna!

Discografia

Good (1992)
Cure for Pain (1993)
Yes (1995)
Like Swimming (1997)
B-Sides & Otherwise (1997)
The Night (2000)
Bootleg Detroit – live (2000)
The Best of Morphine: 1992-1995 (2003)

por Rubens Leme da Costa 

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