Todos os agrupamentos femininos conhecidos como riot grllls (bandas de mulheres com vocais gritados e temática feminista que tiveram seu início e auge na década de 90,ex. Hole, l7, babes in toyland etc.) devem muitos sutiãs queimados a esse álbum e a esse lendário quinteto londrino liderado pela vocalista Poly Styrene.
Se juntaram em finais de 1976, um pouco antes da explosão do punk rock londrino engendrada pelo empresário, dono de butique e picareta máximo Malcolm Mclaren e colocada em prática em 77.
A banda, tendo uma mulher figuraça no vocal e a inusitada presença de um saxofonista, lançou apenas esse álbum em 1978 e se desfez pouco depois. Mas a carreira curta(76-79) não atrapalha que esse disco esteja em quase todas as listas de melhores de todos os tempos, devido à seu caráter absurdamente original e abrasivo.

Apertamos o play e logo ouvimos um som de guitarra distorcida mais pesado e mais lento do que a maioria das gravações punk daquele tempo(digo NENHUMA banda dessa época e desse estilo usa esse timbre de guitarra, que chega a lembrar Black Sabbath), sendo cortada por um exótico som de sax dando um ar bem diferente à coisa toda, preparando o terreno para a entrada da voz, que já entra totalmente alucinada nas primeiras estrofes, como se corresse numa pista cheia de fogo e minas terrestres. É a música The Day the world turned dayglo.
As faixas vão seguindo de forma totalmente fluida, mostrando vários clássicos (art-i-ficial;Oh bondage up yours;plastic bag; i am a clichê, identity) e notamos um monte de coisas: A gravação é alta e limpa pros padrões de época e estilo, as letras falam de forma inteligente contra o consumismo, a bateria é boa demais e vários riffs de guitarra tem aquela pegada de banda de hard rock setentona baseada em blues.

Mas a protagonista aqui é a vocalista Poly, uma das melhores vocais punk ,misturando classe, entrega, originalidade, energia, paixão, credibilidade, usando a voz quase como um instrumento a berrar sem nenhuma frescura; elevando tudo ao status de ARTE. “Minha vida é um saco plástico… que corresponde a todas as propagandas e suga todo esse lixo…” canta em Plastic Bag, havendo uma quebra no meio da música e ela recita como se tivesse uma epifania, o saxofone criando a paisagem sonora para que ela solte o próprio veredicto incontestável do Absoluto.
Grande disco, grande banda, grande Poly.

LISTA DE MÚSICAS DO DISCO GERMFREE ADOLESCENTS

1. Day the world turned day-glo
2. Obsessed with you
3. Genetic engineering
4. Identity
5. I live off you
6. Germ free adolescents
7. Art-i-ficial
8. Let’s submerge
9. Warrior in woolworths
10. I am a poseur
11. I can’t do anything
12. Highly inflammable
13. Age
14. Plastic bag
15. I am a cliché
16. Oh bondage, up yours

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Após o caos de Kaleidoscope, os Banshees já eram uma nova unidade, com John McGeoch na guitarra e Budgie na bateria. Dessa maneira, o quarteto se trancou para escrever as novas composições e lançaram aquele que é, provavelmente, o melhor disco do grupo, Juju. Um disco bem mais soturno e tenso do que os anteriores e recheado de grandes momentos.

Após o grande sucesso de Kaleidoscope, Siouxsie and the Banshees entra para começar as gravações do novo disco com grande cacife.

Utilizando aquela que é considerada a formação mais clássica do grupo, a banda tirou um mês de férias da vida na estrada para gravar um novo disco.

Nesse momento, Siouxsie já era uma grande estrela na Inglaterra e copiada à exaustão pelas fãs, nos shows.

Usando um cabelo mais espetado e vestindo couro preto e peças de seda, Siouxsie havia criado um modelo copiado por 10 entre 10 meninas, estabelecendo-se como uma estrela que sempre quis ser.

O ano de 1981 foi uma mudança grande para as bandas que haviam começado no movimento punk. Johnny Rotten seguia a toda com o PiL, agora como John Lydon, o Clash abandonara a violência dos dois primeiros discos e investira mais em ritmos jamaicanos e passava a maior parte do tempo na América; o Cure começava a ficar maior e o Joy Division havia terminado com o suicídio de Ian Curtis.

Por isso o novo disco precisaria ser mais abrangente do que o anterior e para isso, foi exaustivamente tocado em shows antes de entrarem em estúdio.

“Não queríamos mais saber daquele caos do LP anterior, por isso resolvemos escrever as músicas durante a excursão para que pudessem ficar perfeitas quando fosse a hora de gravá-las”, conta o baixista Severin.

E Juju nasceu com a idéia de ser um álbum conceitual. Ele não foi planejado com antecedência, mas tão logo as canções eram escritas, elas ganhavam uma unidade e se tornavam mais sombrias.

A idéia de usar uma estátua africana na capa foi usada após verem o objeto no Horniman Museu, em Forest Hill e ajudou muito a construir o imaginário correto.

As gravações aconteceram entre março e abril de 1981, novamente com a produção de Nigel Gray e o disco teve poucas experimentações em estúdio, uma vez que estavam quase prontas. Segundo o baixista, “nós sabíamos exatamente o que queríamos em cada uma, como seriam os overdubs, tudo”.

Siouxsie conta que, pela primeira vez, se sentia dentro de um grupo de verdade: “o entrosamento era tão grande que quase nem falávamos em estúdio, não era necessário.”

A idéia sonora do disco, segundo Severin nasceu de várias conversar com McGeoch e eles queriam soar psicodélicos como o disco Their Satanic Majesties Request, dos Rolling Stones ou mesmo como o Small Faces.

Ao ser lançado em junho de 1981, Juju chegou ao sétimo posto no Reino Unido, contra a quinta posição de Kaleidoscope e viu os dois compactos do álbum “Spellbound” e “Arabian Knights”, alcançarem a 22ª e 32ª posições na parada de compactos, respectivamente.

O disco trazia as seguintes faixas:

Lado 1

1. “Spellbound” – 3:17
2. “Into the Light” – 4:13
3. “Arabian Knights” – 3:07
4. “Halloween” – 3:42
5. “Monitor” – 5:35

Lado 2

1. “Night Shift” – 6:06
2. “Sin in My Heart” – 3:38
3. “Head Cut” – 4:24
4. “Voodoo Dolly” – 7:04

Ao ser editado em 2006, em CD, ganhou as seguintes faixas extras:

10. “Spellbound” (12″ Mix) (4:43)
11. “Arabian Knights” (12″ Vocoder Mix) (3:09)
12. “Fireworks” (unreleased Nigel Gray Version) (4:15)

Sem singles óbvios e difíceis de serem assimilados, as vendagens de Juju foram mais modestas, mas ajudou a sedimentar o mito do grupo, especialmente nos shows.

Embora a banda odeie o termo “gótico” – segundo eles invenção da mídia para aglutinar várias bandas parecidas, mas não iguais – o lado B do disco é um dos maiores exemplos dessa estética. “Voodoo Dolly” se tornaria um dos maiores clássicos em shows, invariavelmente usada para fechar as apresentações, como está registrada do álbum ao vivo, Nocturne, de 1983.

Particularmente assustadora é “Night Shift”, inspirada no assassino de Yorkshire, que aterrorizou a Inglaterra, no início dos anos 80. “Eu não sei se era verdade se ele era necrófilo, mas ele era coveiro e por isso gostava de trabalhar no turno da noite.”

Uma curiosidade é que essa foi a canção menos ensaiada pela banda e como “ela lembrava o clássico ‘Kashmir’, do Led Zeppelin, achamos que seria um bom modelo e decidimos fazer uma ‘Kashmir’ mais ‘Kashmir’ que a original”, conta a cantora.

A estrada era o caminho natural e Siouxsie se tornava mais teatral do que nunca nas apresentações, aumentando cada vez mais seu carisma e sua persona.

Em dezembro daquele ano é lançado a primeira coletânea do grupo, Once Upon a Time, com texto de Paul Morley e que encerra a primeira fase da banda.

O disco alcançou a 21ª posição no Reino Unido e trazia todos grandes clássicos do grupo:

Lado 1

1. “Hong Kong Garden” (Sioux/Severin/McKay/Morris)
2. “Mirage” (Sioux/Severin/McKay/Morris)
3. “The Staircase (Mystery)” (Sioux/Severin/McKay/Morris)
4. “Playground Twist” (Sioux/Severin/McKay/Morris)
5. “Love in a Void” (Sioux/Severin/Morris/Fenton)

Lado 2

1. “Happy House” (Sioux/Severin)
2. “Christine” (Sioux/Severin)
3. “Israel” (Siouxsie and the Banshees)
4. “Spellbound” (Siouxsie and the Banshees)
5. “Arabian Knights” (Siouxsie and the Banshees)

Se 1981 foi o ano da confirmação, 1982 seria o ano do estrelato. Mas isso é papo para outro dia. Um abraço e até a próxima coluna.

Discografia

Singles

“Hong Kong Garden” (1978)
“The Staircase (Mystery)” (1978)
“Playground Twist” (1979)
“Mittageisen (Metal Postcard)” (1979)
‘Happy House” (1980)
“Christine” (1980)
“Israel” (1980)
“Spellbound” (1981)
“Arabian Knights” (1981)
“Fireworks” (1982)
“Slowdive” (1982)
“Melt!” (1982)
“Dear Prudence” (1983)
“Swimming Horses” (1983)
“Dazzle” (1984)
“Overground” (1984)
“Cities in Dust” (1985)
“Candyman” (1986)
“This Wheel’s on Fire” (1986)
“The Passenger” (1987)
“Song from the Edge of the World” (1987)
“Peek-a-Boo” (1988)
“The Killing Jar” (1988)
“The Last Beat of My Heart” (1988)
“Kiss Them for Me” (1991)
“Shadowtime” (1991)
“Fear (of the Unknown)” (1991)
“Face to Face” (1992)
“O Baby” (1995)
“Stargazer” (1995)
Discos e CDs

The Scream (1978)
Join Hands (1979)
Kaleidoscope (1980)
Juju (1981)
Once Upon a Time (1981)
A Kiss In The Dream House (1982)
Nocturne (1983)
Hyaena (1984)
Tinderbox (1986)
Through The Looking Glass (1987)
Peepshow (1988)
Superstition (1991)
Peel Sessions (1991)
Twice Upon a Time (1992)
Rapture (1995)
The Best of Siouxsie and the Banshees (2002)
Seven Year Itch (2003)
Downside Up (Box, 2004)
At the BBC (2009)

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Há algum tempo, fiz uma coluna sobre a banda, mas devido à importância do grupo, conversei com Rubens Leme e resolvemos fazer uma coluna em capítulos, da mesma maneira que os Smiths, Morrissey, The Cure (ainda não finalizada) e outros artistas ganharam neste espaço. Assim sendo, Siouxsie and the Banshees terá sua vida mais esmiuçada, começando pelo disco de estréia, um dos mais interessantes e particulares do movimento punk e pós-punk: The Scream.

A história do grupo está intimamente ligada ao movimento punk, ainda em 1976. Não apenas porque o primeiro baterista foi o, futuramente, baixista dos Sex Pistols, Sid Vicious, mas simplesmente porque estiveram presente no primeiro festival que marcou o começo de tudo.

O mundo começou a ser chacoalhado por uma música alta, gritada e por jovens vestindo roupas rasgadas, pretas, maquiagens pesdas e os mais diversos tipos de cabelos e cuspindo palavras de ordem e ódio e contra o governo britânico nos meses de setembro.

Nos dias 20 e 21, oito bandas subiram ao palco do 100 Club, um reduto habituado a shows de jazz, na Oxford Street. O evento ficou conhecido por 100 Club Punk Festival e o os dois dias foram divididos pelos seguintes grupos:

Segunda-feira, 20 de setembro

Subway Sect
Siouxsie & the Banshees
The Clash
Sex Pistols

Terça-feira, 21 de setembro

Stinky Toys
Chris Spedding & The Vibrators
The Damned
Buzzcocks

O evento nasceu quando Ron Watt se reuniu com o empresário dos Sex Pistols, Malcolm McLaren e convidou a banda para ser o principal nome do festival. Logo, o Clash e o Damned, foram convidados, e também os Buzzcoks, os principais nomes do novo estilo.

E os Banshees? Bem, eles não tinham um grupo e Siouxsie era apenas uma integrante do chamado Bromley Contingent, nome inventado pela jornalista Caroline Coon, designando a região de Londres de onde havia nascido as novas bandas. Ela se aproximou de Watt e implorou por uma chance.

O grupo Entre eles estavam Susan Dallion (voz) e o próprio John Beverley (Sid Vicious que então tocava bateria), além de Marco Pirroni (guitarra) e Steven Severin (baixo).

A banda foi apresentada como Suzie and the Banshees e fizeram uma apresentação sofrível, já que mal sabiam tocar e nem repertório tinham.

Sobem ao palco e “tocam” um tema do programa Captain Scarlet, uma cover de “She Loves You”, dos Beatles, e uma longa canção desconexa – a primeira versão de “Lord’s Prayer”, inserindo ‘Deutschland, Deutschland Uber Alles’ e ‘Twist and Shout’.

Um começo não muito animador, mas um ponto de partida importante para Susan, uma jovem garota de 19 anos e que sonhava em ser cantora, até porque a vida não havia sido muita feliz até aquele momento.

Filha de uma secretária bilíngüe e um técnico de laboratório, que morreu de alcoolismo quando ela tinha apenas 14 anos, era uma apaixonada pelos ícones do glam rock, como Bowie, Marc Bolan e o Roxy Music.

E foi em um show do ex-grupo de Bryan Ferry, que conheceu um rapaz de nome Steven John Bailey, que se apresentava como Steven Spunker ou Steven Havoc, até adotar o sobrenome Severin, tirado da canção “Venus in Furs”, do primeiro LP do Velvet Underground.

Os dois seriam a espinha dorsal do grupo e os grandes mentores da banda e após a apresentação no festival, o grupo – já batizado de Siouxsie and the Banshees – começa a ensaiar com Pete Fenton (guitarra) e Kenny Morris (bateria).

Em dezembro, participam do famoso e controvertido programa de televisão de Bill Grundy, junto com os Sex Pistols, no dia 1º de dezembro de 1976.

O acontecimento causaria uma tremenda confusão em Londres. A banda escalada para aquele dia era o Queen, de Freddie Mercury, mas na impossibilidade de se estarem presente no programa Today, acabaram sendo chamado os Sex Pistols.

Grundy não gostou da mudança e ficou surpreso e irritado. Ao começar o programa, Grundy estava alcoolizado e iniciou algumas ofensas ao grupo, tentando ver até onde iriam. O grupo aceitou as brincadeiras e Glen Matlock (baixista original dos Pistols) respondia educadamente.

A confusão começou quando Steve Jones deu uma resposta atravessada ao ser perguntado o que tinham feito com as 40 mil libras esterlinas que haviam recebido da gravadora. “Fuckin’ spent it”. Era a primeira vez que a palavra “fuck” era dita na televisão inglesa, ainda mais em um programa ao vivo.

Grundy não se apercebeu do fato e continuou a provocar. Jones disse outras vezes e Johnny Rotten completou, em voz baixa, com a palavra “shit” (merda). Grundy o provocou dizendo que ele não teria coragem de repeti-la, o que Rotten fez, dessa vez aumentando o tom de sua voz.

O apresentador não se fez de rogado e partiu para cima de Siouxsie Sioux, convidando para um programa após o final do programa.

Steve Jones tomou à frente e disse que ele um idiota e um velho imbecil. Grundy o incitou a provocá-lo mais e Jones começou a xingá-lo de “dirty fucker”, para a alegria do apresentador.

A entrevista rendeu uma confusão dos infernos, e a Thames Television recebeu diversos telefonemas de espectadores furiosos com o apresentador e o programa.

No dia seguinte, o sensacionalista jornal Daily Mirror aproveitou-se do ocorrido, dando ampla cobertura com a manchete ‘THE FILTH AND THE FURY!’, dando imensa publicidade gratuita para os Pistols, para a alegria de McLaren. Grundy acabou suspenso por duas semanas da emissora e o programa saiu do ar por dois meses.

Siouxsie acompanharia os Sex Pistols também em um show na França, onde foi agredida por usar uma faixa no braço com uma suástica desenhada. O incidente a marcaria para sempre e como protesto escreveria duas canções: “Metal Postcard (Mittageisen)” e “Israel”.

O incidente acabou dando reputação para Siouxsie igualmente e o grupo acabou abrindo os shows do Johnny Thunders & The Heartbreakers, em Londres, no dia 24 de fevereiro de 1977.

No já famoso incidente do Jubileu da Rainha, em 1977, Fenton daria lugar ao guitarrista John McKay.

Mas Fenton participaria da primeira demo do grupo, gravada no estúdio Riverside vonde gravaram “Make Up to Break Up”, uma crítica aos cosméticos, invertendo o titulo de um antigo sucesso do grupo Stylistics, “Break Up to Make Up”, lançada em 1973.

O grupo adorava estórias de terror e macabras, tanto que o o nome banshees fazia referência a um conto de Edgar Allan Poe (Cry of The Banshees). Os banshees, na mitologia céltica, são entidades femininas cuja voz bela e tenebrosa anuncia a proximidade da morte).

Segundo Siouxsie, McKay conseguia traduzir esses climas na guitarra, fazendo que a banda deixasse se distinguisse dos grupos punks, dando um ar mais teatral e artístico nas composições.

Os Banshees começam a formar um repertório próprio e são convidados pelo produtor da BBC, John Walters para uma apresentação ao lado do Slits, no Greyhound, em Croydon. Walters viu potencial no grupo e que eles estavam trabalhando com afinco.

Na primeira semana de dezembro, aparecem no programa do legendário DJ, John Peel, ao mesmo tempo em que Siouxsie é capa da revista Sounds, onde aparece vestindo uma camiseta com um par de seios desenhados. Quase que imediatamente se torna o ícone do movimento punk.

Na primeira sessão com John Peel tocam quatro músicas: “Love in a Void”, “Mirage”, “Metal Postcard” e “Suburban Relapse”.

Um segundo programa traria “Hong Kong Garden”, “Overground”, “Carcass” e uma cover dos Beatles, “Helter Skelter”.

A essa ponto, o potencial da cantora era inegável, ainda que as gravadoras não o enxergassem para assinarem um contrato.

A primeira a se interessar foi a EMI desde que “pudesse controlar as letras”, algo completamente fora de questão. Depois de algum tempo apareceu a Polydor – futuramente gravadora do The Cure – no exato momento em que a banda estava para assinar com a BBC Records para lançar um single de Hong Kong Garden.

O selo acaba assinando com eles no dia 9 de junho de 1978 e no dia 18 de agosto é lançado o single, pela nova casa.

A canção foi inspirada em um encontro que ela e um colega tiveram com uma gangue de skinheads em um restaurante chinês de mesmo nome da canção em Chislehurst. “Eles iam lá para aterrorizarem os chineses e eu tentei defendê-los. Não gosto deles, desses fascistas de direita ofendendo os imigrantes, só porque não são ingleses. Eles são extremamente desagradáveis, me senti indefesa.”

Mas, segundo Siouxsie, a canção também fala do encontro de duas culturas, a oriental e a ocidental. “Na verdade, fala da cultura oriental sendo atacada e poluída pelos modos consumistas e doentes do ocidente. É sempre triste vê-los sendo dragados por toda essa cultura Disney.”

A canção, com um belo arranjo e ótima produção de Steve Lillywhite chegou ao top 10 inglês entre os compactos, ficando na sétima posição. O lado B trazia “Voices (On The Air)”.

Com um compacto nas paradas, o grupo prepara o primeiro LP, The Scream, editado em novembro do mesmo ano.

O título foi inspirado em um filme de 1968, chamado The Swimmer, estrelado por Burt Lancaster, que vive Neddy Merrill, filme co-dirigido por Frank Perry e Sydney Pollack.

Na história, Neddy é um homem de meia-idade em crise, que se afasta de todos e reaparece quando um grupo de amigos está reunido na piscina da casa de campo um deles.

Ele decide visitar todas as casas da região, pulando de piscina em piscina, enquanto vai interagindo com as pessoas e contando sua história. Aos poucos, vai descobrindo mais sobre as pessoas e si mesmo, numa busca solitária e desesperada.

The Scream teve uma boa repercussão e críticas entusiasmadas. O crítico Nick Kent, do New Musical Express, descreveu como um cruzamento entre Velvet Underground e muito da ingenuidade de Tago Mago do Can, que trazia um resultado surpreendente. Para a Melody Maker, o som era abrasivo, forte, visceral e constantemente inventivo, com forte ligações com Velvet Underground, Pere Ubu, Wire e Can.

O disco chegou ao 12º lugar na parada e trazia as seguintes canções:

Lado A

1. “Pure” (McKay, Severin, Morris, Sioux)
2. “Jigsaw Feeling” (Severin, McKay)
3. “Overground” (Severin, McKay)
4. “Carcass” (Severin, Sioux, Fenton)
5. “Helter Skelter” (Lennon, McCartney)

Lado B

1. “Mirage” (Severin, McKay)
2 . “Metal Postcard (Mittageisen)” (McKay, Sioux)
3 . “Nicotine Stain” (Severin, Sioux)
4 . “Suburban Relapse” (McKay, Sioux)
5 . “Switch” (McKay, Sioux)

Em 2005, o disco foi reeditado em CD trazendo vários bônus:

Disco 1 – LP Original:

1. “Pure” (McKay, Severin, Morris, Sioux)
2. “Jigsaw Feeling” (Severin, McKay)
3. “Overground” (Severin, McKay)
4. “Carcass” (Severin, Sioux, Fenton)
5. “Helter Skelter” (Lennon, McCartney)
6. “Mirage” (Severin, McKay)
7. “Metal Postcard (Mittageisen)” (McKay, Sioux)
8. “Nicotine Stain” (Severin, Sioux)
9. “Suburban Relapse” (McKay, Sioux)
10. “Switch” (McKay, Sioux)

Disco 2:

1. “Make Up to Break Up” (Riverside Session)
2. “Love in a Void” (Peel Session 1)
3. “Mirage” (Peel Session 1)
4. “Metal Postcard (Mittageisen)(Peel Session 1)
5. “Suburban Relapse” (Peel Session 1)
6. “Hong Kong Garden” (Peel Session 2)
7. “Overground” (Peel Session 2)
8. “Carcass” (Peel Session 2)
9. “Helter Skelter (Peel Session 2)
10. “Metal Postcard” (Pathway Session)
11. “Suburban Relapse” (Pathway Session)
12. “The Staircase (Mystery)” (Pathway Session)
13. “Mirage” (Pathway Session)
14. “Nicotine Stain” (Pathway Session)
15. “Hong Kong Garden” (7″ Single Version)
16. “The Staircase (Mystery)” (7″ Single Version)

O disco trouxe grandes clássicos e mostrou que a banda era fã dos Beatles, já que regravou a polêmica “Helter Skelter” para o disco, fazendo o mesmo com “Dear Prudence”, em 1983, para o álbum Hyaena.

Após o lançamento, mais dois singles foram editados: The Staircase (Mystery) e Metal Postcard (Mittageisen). A segunda canção foi inspirada no incidente com a suástica em Paris e que quase resultou em seu estupro por alguns jornalistas. A inspiração para a canção foi a colagem feita pelo alemão Helmut Helmut Herzfeld, que viria anglicizar seu nome para John Hearfield (1891-1968) chamada Hurrah, die Butter ist Alle! (“Hurray, The Butter is Finished!”). Sua luta contra o nazismo e os sentimentos anti-britânicos foram uma das marcas de sua obra.

Os dois compactos tiveram entradas modestas nas patadas, ficando em 24º e 28º lugar, respectivamente.

Mas, o caminho para o Siouxsie and the Banshees já estava pavimentado e o sucesso seria apenas uma mera conseqüência. Mas a história continua outro dia. Um abraço e até a próxima coluna.

Discografia

Singles

“Hong Kong Garden” (1978)
“The Staircase (Mystery)” (1978)
“Playground Twist” (1979)
“Mittageisen (Metal Postcard)” (1979)
‘Happy House” (1980)
“Christine” (1980)
“Israel” (1980)
“Spellbound” (1981)
“Arabian Knights” (1981)
“Fireworks” (1982)
“Slowdive” (1982)
“Melt!” (1982)
“Dear Prudence” (1983)
“Swimming Horses” (1983)
“Dazzle” (1984)
“Overground” (1984)
“Cities in Dust” (1985)
“Candyman” (1986)
“This Wheel’s on Fire” (1986)
“The Passenger” (1987)
“Song from the Edge of the World” (1987)
“Peek-a-Boo” (1988)
“The Killing Jar” (1988)
“The Last Beat of My Heart” (1988)
“Kiss Them for Me” (1991)
“Shadowtime” (1991)
“Fear (of the Unknown)” (1991)
“Face to Face” (1992)
“O Baby” (1995)
“Stargazer” (1995)

Discos e CDs

The Scream (1978)
Join Hands (1979)
Kaleidoscope (1980)
Juju (1981)
Once Upon a Time (1981)
A Kiss In The Dream House (1982)
Nocturne (1983)
Hyaena (1984)
Tinderbox (1986)
Through The Looking Glass (1987)
Peepshow (1988)
Superstition (1991)
Peel Sessions (1991)
Twice Upon a Time (1992)
Rapture (1995)
The Best of Siouxsie and the Banshees (2002)
Seven Year Itch (2003)
Downside Up (Box, 2004) At the BBC (2009)

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O que fez de Nick Cave e os Bad Seeds serem tão bons? Uma combinação de coisas, cada vez mais rara na cena roqueira atual: excelentes letras, boas melodias, arranjos sóbrios e a voz de Nick, cada vez mais densa e madura.

Embora alguns o critiquem de estar acomodado e repetindo velhas fórmulas, Cave continua oferecendo a mesma qualidade, fazendo valer a velha máxima do futebol que “em time que está vencendo não se mexe”.

Cave continua falando de amor, de Deus, de sofrimento, de pecado. São poucos compositores atuais que sabem explorar tantos campos com tanta competência. E quem está acima deles são apenas nomes lendários como Bob Dylan, Leonard Cohen, Van Morrison e Lou Reed (que está devendo um grande disco há mais de uma década).

Por isso, a abertura com “Wonderful Life” nos remete aos climas de No More Shall We Part, seu disco anterior. Talvez o maior “hit” seja “Bring It On”, um dos grandes momentos. E na faixa final, “Babe, I’m On Fire”, nos faz lembrar de momentos de “Mercy Seat”, um dos seus clássicos dos anos oitenta. Em seus quase 15 minutos e cantada e tocada de maneira alucinada, tensa, violenta, Cave mostra que chegar à maturidade não significa necessariamente sentar ao seu piano e apenas contemplar o mundo complacentemente.

Um grande disco assim como toda sua obra. É ouvir e correr atrás dos outros discos, que ainda são encontrados por aí.

Faixas

1 – Wonderful Life
2 – He Wants You
3 – Right out of Your Hand
4 – Bring It On
5 – Dead Man in My Bed
6 – Still in Love
7 – There Is a Town
8 – Rock of Gibraltar
9 – She Passed by My Window
10 – Babe, I’m On Fire

por Rubens Leme da Costa

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Voltando à Filigree. O disco abre com “Velvet Belly”, um breve crescendo de cordas que dá a tônica do clima de encantamento que permeia a quase totalidade das músicas seguintes. Os cellos e violinos são tocados com maestria por Martin Maccarrick, músico e arranjador que trabalharia posteriormente com Siouxsie & The Banshees (em Through The Looking Glass) e Gini Ball, que também participou do álbum de Siouxsie e guardava experiências anteriores com Vini Reilly no Durutti Column. Adiante, a bela “The Jeweller”, canção original do grupo Pearls Before Swine, de 1970, seguida da tristíssima “Ivy & Neet”, intervenção de Simon Raymonde, baixista do Cocteau Twins. Uma melodia arrebatadora de 4 minutos e 48 segundos com piano, coro e violinos. “Meniscus” traz Alan e David Curtis, guitarristas do Dif Juz e “Tarântula” revela as maravilhosas vozes de Dominic Aplleton, do grupo Brethless e de Deirdre e Louise Rutkowsky, primores de afinação e harmonia.
Os intervalos entre as músicas não são mais que breves suspiros, e elas continuam a serem derramadas, entremeadas por atmosferas que evocam sons, provavelmente presentes nos mais delirantes sonhos. Como saber? É o que parece. As recriações de músicas de autores obscuros – obsessão de Ivo Watts-Russel – são diversas. “My Father”, de Judy Collins, surge em interpretação comovente de Alison Limerick. “Come Here My Love”, de Van Morrison e uma versão celestial de “Morning Glory”, de Tim Buckley, o autor mais gravado pelo TMC: “Eu acendo a mais pura vela perto de minha janela, esperando capturar o olho de algum vagabundo que passe por ali …”. “I Want To Live” é de um certo Gary Ogan e “Alone”, outra regravação de Colin Newman (a versão original dessa música foi usada na inesquecível seqüência onde o serial killer Buffalo Bill se maquia para arrancar a pele da gordinha no filme Silêncio dos Inocentes, de Jonathan Demme). Do Talking Heads, existe a releitura de “Drugs”, escondida faixa do álbum Fear of Music, de 1979.
Um disco arrebatador de um grupo que nasceu de um sonho, e que se apropriou magistralmente da linguagem dos sons para recriar canções que traduzem emoções de nossos sentimentos mais íntimos.

Por Leonardo Saraiva

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O grupo formou-se em Florianópolis em 2001 e conta com a dupla Chris Viana (guitarra, baixo e sintetizadores) e Guilherme “Deede Unfactory” (letras, composição e samples), e eventualmente a participação de outros músicos como Leo Barbi (piano), Rubi Agustin (didjeridoo) e Fabio Della (bateria), que dão um toque “orgânico” ao som da banda na execução de instrumentos acústicos.

Seu primeiro trabalho chama-se Negative e foi lançado em março de 2003. Conta com oito faixas, três das quais com vocal. Foi produzido de forma totalmente independente e alternativa. As letras falam de amores frustrados e narram seguidamente os aspectos psicológicos vivenciados durante um relacionamento malogrado.

Sua proposta musical alia o som de sintetizadores à guitarras distorcidas e elementos experimentais. Não faltam EBMs robóticos e muita microfonia, as vezes em excesso. As letras associadas às influências darkwave e industrial garantem um clima sombrio à maioria das faixas.

Curiosamente a maior parte da produção do disco foi feita na casa dos músicos com o auxílio de um computador Pentium II e um IMAC, apenas a bateria acústica contou com produção externa. Evidentemente, isso atrasou um pouco o andamento do trabalho, mas não deixa de ser interessante ver as possibilidades que o nosso “PC de cada dia” pode trazer, ainda mais se considermos que a qualidade da produção do disco não deixa furo e é realmente muito boa.

Não faltam barulhinhos e paradas repentinas como a “pane” proposital da faixa “Dreams Over” de estilo ambient. “Usable” é um EBM, com vocais soturnos que lembra o Rammstein. “Theory of Constraints” começa com uma batida techno forte e contagiante quebrada logo depois pela bateria orgânica e uma sequência de samplers de texturas alternantes que segue até o final da faixa. Em “Expected” (outra faixa com vocal) comparecem guitarras e sons distorcidos, mais barulhinhos e microfonias ensurdecedoras, que em certos momentos abafam um pouco o vocal.
“Answer Machine” é uma mistura de microfonias e sons de vozes pré-gravados em que retalhos de melodia e vozes robotizadas se alternam de formam enlouquecedora. “About Time” é uma experiência de texturas sonoras e bateria acústica em que densas camadas de efeitos se sobrepõem às batidas. “Not Anymore” traz o vocal abafado em terceiro plano, quase inaudível, unindo placidez e dissonância. A experimental “Dreams Over Part Two”, retoma o tema da primeira faixa de forma melancólica e desesperadora, desenvolvido em um belo solo de piano.

Logo após Negative o grupo produziu o disco Positronic que se trata na verdade de uma compilação de remixes das faixas de Negative, preparados por músicos alemães, norte-americanos e brasileiros, e integrantes do grupo.

Enfim, é bom saber que no Brasil existem boas produções para quem curte eletrônico, darkwave e EBM. Se quiserem conhecer mais sobre a dupla é só visitar o site http://www.unfactory.com/, onde inclusive são disponibilizados arquivos MP3 para quem quiser ouvir o som do grupo que em breve deve estar produzindo seu terceiro disco.

Negative

Track list:

1. Dreams Over (part I)
2. Usable
3. Theory of Constraints
a) Identification
b) Subordination
c) Elevation
4 . Expected
5 . Answer Machine
6 . About Time
7 . Not Anymore
8 . Dreams Over (part II)

Positronic

Track list:

1. Usable (traumatize-rebellion mix) – por Sacred Complex (Alemanha)
2. Usable (wasted mix) – por Mortal Void (Germany)
3. Theory of Constraints (remixed version) – por Angel-99 (EUA)
4. Expected (derranged mix) – por Unfactory (Brasil)
5. Usable (remixed version) – por Divide by Zero (Brasil)
6. Expected (fragmented mix) – por Winterchylde (EUA)
7. Usable (abused mix) – por Mortal Void (Alemanha)
8. Answer Machine (answer that shit mix) – por Unfactory (Brasil)
9. Not Anymore (bad trip mix) – por Unfactory (Brasil)

por Beatrix Algrave

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Após sete anos sem gravar, Morrissey aceitou voltar por uma gravadora chamada Sanctuary Records, desde que ela reavivasse o logo do selo da gravadora de reggae Attack Records, que utilizava uma metralhadora. Posando com um terno bem cortado e com uma metralhadora na capa como um velho gangster, Morrissey saiu atirando para todos os lados. Não se deixe enganar com os arranjos calmos e flertando às vezes até com o moderno em excesso em algumas passagens, pois o velho desbocado está cantando mais baixo, mas não deixa ninguém fora do seu ódio. E como é bom ver alguém fazendo de seu ódio um instrumento contra a apatia e o tédio politicamente correto do mundo moderno.

Em 12 faixas, ele cutuca o grande irmão, os Estados Unidos, logo na faixa de abertura “America Is Not the World”, quando afirma que nunca um negro, mulher ou gay foram presidentes naquele país. Ele ainda cospe novamente na monarquia inglesa, nos partidos conservador e trabalhador na pungente “Irish Blood English Heart” e critica a Deus por ter dado a ele tanto amor em um mundo sem um pingo de sentimento “Você me odeia?” pergunta ele ao Homem de cima, quatro vezes, ao final. Afirma que o mundo está lotando de pessoas insípidas e pergunta como alguém pode saber exatamente como ele se sente. Obviamente há baladas de amor não correspondidas da mesma estirpe de “There Is A Light That Never Goes Out”, que é o caso de “Let Me Kiss You”: “Mas então você abrirá seus olhos/e você verá alguém/que você fisicamente despreza/mas meu coração está aberto/meu coração está aberto para você”. Quem ainda tem coragem de escrever algo desse teor?

Sua ironia cortante está presente em “All the Lazy Dykes” (Todas as Sapatonas Vagabundas). E para fechar o disco um recado aos ex-companheiros dos Smiths falando dos anos e anos em que brigaram nos tribunais por dinheiro em que ele afirma “Vocês saberiam que eu não conseguiria durar”.

Com uma produção impecável a cargo de Jerry Finn, que trabalhou com Green Day, Morrissey mostra uma raiva que estava encubada em seus trabalhos há anos. Seu último trabalho, Maladjusted havia sido em 1997 e nos sete anos de ausência, o mais britânico dos roqueiros até arriscou morar em Los Angeles por algum tempo, como forma de sair de cena e pode afiar os dentes e seus discursos. E a impressão que se tem ouvindo You Are the Quarry é que nem sempre é necessário sair berrando e ter guitarras afiadas e altas para se dar um recado. Morrissey voltou em 2004 e perigas de ter lançado o disco do ano e mostrado, para quem o considerava morto ou apenas uma tia velha ranzinza, que o descanso fez bem. Graças aos céus que algumas vozes não se calam. Ou como o próprio definiu em “Irish Blood English Heart” – “não há no mundo alguém que eu tema e nenhum regime pode me comprar ou vender”.

Morrissey, mesmo depois de tantos anos, chamou dois velhos amigos, os competentes e seguríssimos guitarristas Boz Boorer e Alain Whyte, completando o time com o baixista Gary Day, o baterista Dean Butterwoth e o pianista Roger Manning.

Espero que ele tenha voltado de vez e que nos brinde com algum show abaixo da linha do Equador. E rapidamente.

Faixas

1 – America Is Not The World
2 – Irish Blood, English Heart
3 – I Have Forgiven Jesus
4 – Come Back to Camden
5 – I’m Not Sorry
6 – The World Is Full of Crashing Bores
7 – How Can Anybody Possibly Know How I Feel?
8 – First of the Gang to Die
9 – Let Me Kiss You
10 – All the Lazy Dykes
11 – I Like You
12 – You Know I Couldn’t Last

por Rubens Leme da Costa 

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Se você pensa que Morrissey está morto, não canta mais nada e que seu carisma fugiu por algum ralo, tome cuidado ao ouvir esse CD porque levará um susto!

O homem mais triste do planeta lançou um disco ao vivo – o segundo de sua carreira-solo – mostrando que ainda sabe cativar uma imensa audiência. E, incrível!, é capaz ainda de cantar (e bem!) aos 44 anos. Live at Earls Court vem em um estojo luxuoso (capinha digipack, acabamento raro em se tratando de lançamento nacional) e mostra Morrissey cantando 18 músicas de sua carreira-solo, dos tempos dos Smiths e até algumas covers.

O disco abre com a eterna “How Soon Is Now”, clássico de Hatful Of Hollow, segundo disco de sua ex-banda e do longínquo ano de 1984. É claro que falta Johnny Marr na guitarra e que bate a saudade do grande grupo daquela década, mas há ainda Morrissey!

Em seguida, é a vez de “First Of The Gang To Die” de You Are The Quarry, que é acompanhada com grande entusiasmo pelos 17.183 fãs presentes. A temperatura esquenta com “November Spawned A Monster”, uma das peças mais torturadas já escrita pelo bardo. Após a divertida “Don’t Make Fun Of Daddy’s Voice”, o clima pega fogo com outro clássico smithniano, “Bigmouth Strikes Again”, onde Morrissey atualiza a letra ao cantar “… and her Ipod started to melt”, ao invés de “her walkman to melt”.

As homenagens começam com “Redondo Beach”, clássico de Horses, disco de estréia de Patti Smith e o favorito do cantor. Aliás, “Redondo Beach” foi lançado recentemente como single. Após “Let Me Kiss You”, Morrissey cita “Subway Train” dos New York Dolls na introdução de “Munich Air Disaster 1958″ e cai em “There Is A Light That Never Goes Out”, arrancando lágrimas dos histéricos fãs.

A temperatura volta a esquentar com a seqüência final iniciada com “I Have Forgiven Jesus”, e terminando com “Last Night I Dreamed That Somebody Loved Me”, jamais tocada ao vivo pelos Smiths e que encerra o CD.

Morrissey mostra ótima presença de palco e que ainda controla uma grande audiência apenas com seu dedo mindinho. Apesar dos anos a mais e alguns quilinhos extras, o velho bardo coroa a apresentação com uma grande apresentação escorada por uma competente banda de cinco músicos – os guitarristas Boz Boorer (que toca clarineta, congas e até faz backing vocals) e Jesse Thomas; o baixista Gary Day, o baterista Deano Butterworth e o tecladista, trumpetista Mike V. Farrell. Gravado sem overdubs (ou seja, sem retoques de estúdio), Live at Earls Court merece ser ouvido bem alto e mostra que o pedido ao público no encerramento do disco (“don’t forget me!”) tão cedo não ocorrerá. Morrissey continua bem vivo para seu público e para todos aqueles que amam a música pop. Para esquecermos essas canções, precisaríamos apagar boa parte de nossas vidas ou sofrermos uma lobotomia.

Faixas

1. How Soon Is Now
2. First Of The Gang To Die
3. November Spawned A Monster
4. Don’t Make Fun Of Daddy’s Voice
5. Bigmouth Strikes Again
6. I Like You
7. Redondo Beach
8. Let Me Kiss You
9. Munich Air Disaster 1958
10. There Is A Light That Never Goes Out
11. The More You Ignore Me
12. Friday Mourning
13. I Have Forgiven Jesus
14. The World Is Full Of Crashing Bores
15. Shoplifters Of The World Unite
16. Irish Blood, English Heart
17. You Know I Couldn’t Last
18. Last Night I Dreamed That Somebody Loved Me

Por Rubens Leme da Costa

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Ringleader of the Tormentors é mais uma prova do seu enorme talento, tanto que alcançou o número 1 das paradas britânicas. Há quanto tempo um verdadeiro disco de rock não alcançava esse mérito (xô, U2!)?

Classificado como o “disco mais rock’n’ roll feito por Morrissey”, o novo trabalho – lançado em 3 de abril de 2006 – mostra que o bocudo continua afiado e com músicos igualmente afiados, que deram Morrissey uma sonoridade muito distante de seus pares.

O disco conta com algumas particularidades: a primeira foi ser gravado fora do eixo América-Reino Unido. O local para a empreitada foi Roma, capital da Itália. A missão de comandar os trabalhos ficou com o lendário produtor Tony Visconti, velho conhecido dos fãs de David Bowie, um dos grandes ídolos do ser mais miserável do planeta. Visconti entrou no projeto depois que Jeff Saltzman não pôde aceitar o convite. E Visconti conduziu Morrissey ao um tremendo disco, com forte influências do próprio Bowie e até de T. Rex.

Como todo bom polemista, Morrissey já deixa alguns ouvintes com o cabelo em pé na faixa de abertura, “I Will See You in Far-off Places”. Muitos acreditam que ela se refere a Osama bin Laden. Outros acham que ela pode ter sido dedicada a um amante (embora Morrissey tenha jurado mais de uma vez que jamais teve algum relacionamento amoroso com outro ser humano…)

A segunda faixa, “Dear God Please Help Me”, conta com um excelente arranjo de cordas, cortesia de Ennio Morricone, autor de várias trilhas-sonoras para o cinema. “You Have Killed Me” foi a primeira faixa a ser escolhida como single e alcançou a terceira posição nas paradas e traz outra das grandes letras de Morrissey sobre dor e rejeição. A mesma cita ainda o cineasta italiano Pier Paolo Pasolini e a cidade de Roma.

Tony Visconti conta que o disco foi feito em um clima de grande paz, alegria e camaradagem: “foi um dos melhores discos que já produzi. Morrissey é impressionante e canta com grande paixão e confiança. É certamente um dos melhores discos, senão o melhor, de sua carreira.”

Morrissey usou também um coro de vozes infantis em duas faixas – “At Last I Am Born” e “The Youngest Was The Most Loved” e deixou clara suas influências dos anos 70 nos arranjos. Ouça a faixa oito – “I’ll Never Be Anybody’s Hero Now” – e perceba um piano idêntico ao de Mike Garson, na fase Aladdin Sane, de Bowie.

Trabalhando com uma base de longa data – os guitarristas Alain Whyte e Box Boorer e o baixista Gary Day – Morrissey disse que foi o novo guitarrista de sua gangue – Jesse Tobias – que deu nova alma ao trabalho.

Com o novo disco e shows costumeiramente lotados, é rezar para que Morrissey apareça novamente por aqui e faça a alegria dos fãs. Porque se há um artista que soube envelhecer com dignidade e melhorou com o tempo, esse artista é Morrissey.

Ah, e xô, U2!

Faixas

1. I Will See You in Far-off Places
2. Dear God Please Help Me
3. You Have Killed Me
4. The Youngest Was the Most Loved
5. In the Future When All’s Well
6. The Father Who Must Be Killed
7. Life Is a Pigsty
8. I’ll Never Be Anybody’s Hero Now
9. On the Streets I Ran
10. To Me You Are a Work of Art
11. I Just Want to See the Boy Happy
12. At Last I Am Born

Por Rubens Leme da Costa

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